维基百科说，展览（exhibition）就是一些经过挑选的物品的展示和陈设。这个定义十分宽泛，这么看来，零售商店也能划进展览范围内。当然，仔细想想，从带柜台的小卖部到展陈设计精良的买手店，再到美术馆内的一个画展现场，中间确实没有什么清晰的界线。为了缩小范围，我们从被展示的物品切入，本文所要讨论的“展览”中所涉及的物品在“艺术”范围内；为了不把问题复杂化，我们默认这里提到的“艺术”就是你所认为的那个“艺术”。此外，我们主要还是在国内语境讨论这个词。
展期
“展览”大多有一定的展期，从几天到几个月不等，开幕之日多有各种活动或仪式，闭幕时往往悄悄就拆了。但也有的展览展期很长，几乎可以被认为是永久性的，这些展览大多位于世界各地的著名地标博物馆中，比如北京的中国美术馆，巴黎的卢浮宫博物馆、纽约的大都会艺术博物馆等等。这些永久展不太需要什么专门的展览名称，展出的物品都是自己所拥有的藏品，按照各种标准分不同的展厅展示。馆内展品会随时进行一些小的调整，有的外借给别的组织，有的被关起来进行修复和维护。
除此之外的展览都可以说是临时的，相对于永久馆，临时展览多种多样，不如从举办场所开始讨论。
场馆
人们有时候会说“这个展览快要结束了，我们去看吧？”“在哪儿啊？”“在XX画廊/XX艺术中心/XX空间/XX美术馆/XX展览馆……。”这些场所名称有时候会被认为是一个地点，只是名字起的不一样，“画廊”听起来好像比较小资，“美术馆”听起来好像比较专业，“空间”听起来好像比较实验和前沿，但实际上它们并不只是一个场所，也代表性质的不同的组织。
画廊有时候被叫做“商业画廊”，但其实应该不存在“非商业”的画廊，因为画廊就是艺术品的代理商，画廊主根据自己的实力和品味喜好，代理艺术家，或者跟艺术家进行临时合作，帮助他们找藏家卖作品再从中获利。为了卖出作品，画廊就要让藏家们看作品，所以画廊常有自己的空间定期举办展览。画廊展览经常不售票，因为他们的主要生意是卖作品，我们普通大众都可以沾光跟着看看。不过，最近画廊的公共性变得越来越强，经常在展览期间组织各种活动，比如位于北京的 Tabula Rasa 画廊展览开幕时常有欢迎公众参与的各种表演等活动。画廊展览大多循环比较快，常见展期一个月左右。
美术馆或者艺术博物馆其实都是“museum”，往往有自己的馆藏，只是未必进行展示。美术馆也定期组织展览。相对于画廊面向藏家的传统，美术馆更加面向公众，有艺术教育和娱乐的功能。它们所展出的作品不用于售卖，还经常需要向其他博物馆或画廊借作品，可能还要支付借展费。比如木木艺术社区正在进行的“大卫·霍克尼：大水花”展览中的展品，很多来自英国泰特当代美术馆的馆藏。
在 2019 年，我们见到的美术馆展览大多会收取门票，用以帮助美术馆覆盖成本，支付工作人员的工资和加班费，维持良性运营等等。这就是有的展览门票明明很贵，主办美术馆还敢宣称自己是“非营利”机构的原因——“非营利”专指他们不卖作品。美术馆可能是公立的，比如上海当代艺术博物馆；也可能是民营的，近几年诸多风生水起的展览都是由私人美术馆主办的。美术馆的展期通常会长一些，三个月到半年都很有可能。
艺术中心和空间就比较复杂了，它们可能是非营利性质，比如北京的尤伦斯当代艺术中心、泰康空间；也有可能是画廊性质，比如北京的空白空间、星空间；还有一些是独立艺术空间，常由艺术家或者策展人自己运营，比较像是一个梦想之地，避开商业交易和可能很古板的学术步骤。
但是以上名称并不总是有效，有不少场馆实际上只是一个场馆，租给所有出够了租金的组织来使用，这样一来，无论馆外招牌上写的是“空间”还是“美术馆”，“画廊”还是“艺术中心”，都不太重要。当然，也有美术馆会外租自己的场地给其他的展览主办方使用。
另外还有一些展览直接在商业空间——比如商场内外，临时搭建展墙举办。这样的展览可能由以上各种机构主办，也可能由其他的出资方和策划团队主办，通常都会写在海报上。
个展，双个展，群展
不同展览场所的展览形式也会有所不同。 按照参展艺术家人数来看，只展出一个人作品的展览就是个展。画廊经常举办个展，展示自己所代理的艺术家的近期创作动态，例如，最近胶囊上海展出了艺术家高源近期创作的动画和绘画。美术馆也经常举办国内外重要艺术家做具有回顾性质的展览，展示这位艺术家的代表作品，例如红砖美术馆即将开幕的展览“莎拉·卢卡斯”。此外还有双个展、三个展，就是把两三个个展放在一起共同呈现，几个个展之间或许在氛围上能形成有趣的联系和对比，但总体来说，各自的项目之间不一定有什么联系；去年上海 BANK 画廊的三个展项目展出了艺术家孙一钿、Kim Laughton、王芮三位艺术家的独立个展。
由马丁·戈雅生意策划的群展“后南宋王朝”展览现场，2018，金杜艺术中心，北京
群展与双个展、三个展不同的是，群展往往有一个主题，不同艺术家的作品在这个大的主题下展开。通常，策展人确定主题并阐释主题，同时也需要组织符合这个主题的作品，最后多半也要确定作品的摆放方式、位置，并且在布展现场监工。今年三月，我们报道过的泰康空间展览“末日松茸”，通过五位艺术家的作品探讨了“人类世”背景下人类与自然的共生关系。有的群展有很强的“策展力”，相当于策展人就某一个话题写了一篇论文，展出的作品构成了论文的论据或图示。目前，上海当艺术博物馆主办的“青年策展人计划”当中，就有两个这样的强策展研究型的展览正在进行，一个探讨社会中的边缘人，一个探讨艺术创作背后的工具。还有的群展主题比较简单，策展人或策展团队专注于作品和空间的呈现方式。
双年展、博览会
其实从时间上说，除了永久展和临时展，还有一种重复发生的展览，每年/两年/三年/五年举办一次。威尼斯双年展、上海双年展都是每两年举办一次，德国的卡塞尔文献展每五年举办一次。2017 年威尼斯双年展赶上卡塞尔文献展，十年一遇，把地球上好多人都吸引到了欧洲。以上举例的双年展和文献展都比较学术性，由一小撮学者与精英精心确定主题、邀请艺术家、选择作品，艺术家参与了这样的展览会成为艺术生涯履历上很好的一笔。
除此之外，还有大多每年举行一次的艺术博览会（fair），但我们自日常语言中也常用“展览”去称呼它们。最有名的是每年在瑞士巴塞尔、美国迈阿密和香港各举办一次的巴塞尔艺术展，还有即将在上海举办的 ART 021 及西岸艺术与设计博览会，这两年特别火爆的艺术书展其实也算博览会。博览会比较直接，就是一个汇聚各个画廊，集中买卖的市集，往往只举办几天。各画廊要接受博览会的审核，还要交一定的展位费，之后就可以获得一个展位，藏家们会集中挑选自己想要的作品。在艺术书展现场，我们也当过好几次藏家。有实力的博览会汇集有实力的画廊，这些画廊带来明星艺术家的名作，博览会以此吸引公众来参观。
博览会现场热闹非凡，由于展位有限，各种作品也不会获得在画廊和美术馆空间展出时的大片白墙，全都挤在一起。博览会的公共教育功能比较少，你看不见展览前言，有时候可能也没有作品与艺术家标注（即便有你可能也没精力一个一个去看）。刚入门的观众大多晕头转向，但这也没什么不好——一切背景信息都没有，你可以完全跟随自己的直觉却选择你自己喜欢的作品，回头还可以在网上查查资料，看看自己的艺术市场直觉如何。不过，现在的博览会内容也比较丰富，除了传统的参展商单位之外，还会设立各种各样的单元和板块，关注新兴艺术家，或发挥艺术教育功能。
网红展
那么在“展览”之外，最近几年我们总说的“网红展”究竟是什么？有人说 2016 年、2017 年龙美术馆的“埃利亚松·无相万象”和“詹姆斯·特瑞尔”回顾展是国内的网红展鼻祖，说 teamLab 的展览场场都是网红展，在北京今日美术馆首次举办的“.zip未来的狂想”是“网红展”——因为这些展览真的很红，照片在朋友圈四处流传，人们在门口排队等待。还有一些展览似乎并不怎么红，但人们仍然说它是“网红展”，还有许多真的网红前来助阵。
另外还有人觉得木木美术馆的展览就是网红展，因为创始人之一的身份。我们发现真的很难定义“网红展”，不论你想怀着高傲的艺术理想去评判，还是以“自拍友好度”为标准去衡量，最后都会受挫。但所谓的“网红展”似乎正在从一种结果转变成一种策略，也许跟微信推文的“十万加”一样，从无心插柳转变成精心培育，所以现在也被叫成流量型展览。
能成为“网红展”的展览，一种是视觉上好看，能形成图片在社交媒体上流传，这样好看的视觉最好能从四面八方将观众包裹，使人也进入图片中，也就是有“沉浸式”的特点；人和作品如果能发生巧妙的互动效果可能会更好。早期的“网红展”似乎比较依赖于作品本身，例如詹姆斯·特瑞尔和奥拉维尔·埃利亚松的作品视觉上都极美，能给人带来强烈的冲击力。如今的许多网红展则可以跨过作品，直接在展览布置与设计上做文章，甚至整个展览形成一个IP，还可以进行巡展。
另一种“网红展”的策略就是购买已经经过大众测试流行文化“IP”，比如“海贼王”，“鲍勃·迪伦”等等。因为流量型展览火爆，越来越多的商业品牌开始赞助这样的展览，以获得人气和提高形象。当然，在抛开“艺术是什么”这个不可解的问题之外，真正好的展览的布展都非常棒，以廉价材料冒充高级效果的展览还是会被淘汰。
流量型展览对整个展览场景（这是我们临时发明的词组）的影响都很大，不光是流量型展览越来越多，近几年我们看到的各种展览在展陈布置上所花的功夫也越来越大——以往那种只在墙上挂点画的展览愈发少见了。而且流量型的展览居然使“看展”也成为人们的一个新的休闲活动选项，人们与艺术从未如此接近。
